LA FORMATION

STUDIO 20’ART s’adresse à toutes celles et ceux qui souhaitent s’engager dans une pratique du théâtre sérieuse et vivante, aucun profil unique n’est recherché. Ce qui compte, c’est le désir de jouer, de progresser et de s’impliquer dans un travail collectif, respectueux et exigeant.

La formation vise à accompagner chaque élève vers une plus grande autonomie, une meilleure compréhension du jeu et une disponibilité réelle au plateau, au théâtre comme à l’image. Le studio s’inscrit dans une réalité professionnelle actuelle, en lien avec les pratiques contemporaines du spectacle vivant et de l’audiovisuel.

UNE FORMATION PRATIQUE SUR 2 ANS

La première année est consacrée à la construction des fondamentaux du jeu d’acteur·rice, en s’appuyant sur les principes de méthodes reconnues :

La méthode Stanislavski.

Cette approche repose sur une exigence centrale : – “Jouer vrai, pas bien jouer” dont les principales clés sont l’action Intérieur : Identifiez ce que veut vraiment le personnage. Les actions physiques : l’émotion naît de l’action pas l’inverse. Enfin, la mémoire affective : puisez dans vos propres souvenirs. 

L’Actor Studio – ( Méthode Strasberg) – Devenir le personnage.

Lee Strasberg considère que L’acteur·rice doit faire exister son personnage en recréant organiquement, à travers ses sens et sa mémoire affective, toutes les circonstances imaginaires du rôle. L’acteur·rice puise en ellui-même émotions et affects, utilise des techniques comme la substitution ou le geste psychologique, et bénéficie d’une totale liberté dans le moment pour produire un jeu vivant et toujours basé sur la vérité. 

Le travail proposé permet de :

  • Se connecter à ses sensations et à sa respiration diaphragmatique
  • Libérer le corps et la voix pour une parole incarnée par des exercices
  • Développer l’écoute et la capacité à réagir face à un partenaire de jeu
  • Être présent et disponible dans une situation donnée, identifier ses blocages
  • Ne plus se regarder, ni s’écouter, ni se sentir jugé.e
  • Improviser facilement à partir de circonstances imaginaires
  • Construire un personnage cohérent et crédible
  • Identifier la motivation d’un personnage dans une scène sans intellectualiser
  • Apprendre à ressentir pour transmettre une émotion
  • Créer un lien organique entre le personnage et soi
  • Apprendre à recevoir et intégrer des indications de jeu
  • initiation aux castings

Le travail d’improvisation permet de gagner en spontanéité, en confiance et en liberté tout en restant précis.
Le travail de scènes permet d’aborder le texte, la relation à l’autre et la continuité du jeu.

Une première approche du travail face caméra est proposée en fin d’année afin de sensibiliser les élèves à la précision, à la simplicité et à la vérité du jeu filmé. 

Une initiation aux castings sera également abordée. 

La deuxième année approfondit les outils acquis en première année et vise à affiner le jeu de l’acteur dans des situations plus complexes. Le travail est orienté vers une plus grande précision, une meilleure maîtrise de l’instrument et une implication plus forte dans le jeu. L’élève est amené à développer une autonomie artistique et une capacité à faire des propositions personnelles.

Le travail proposé permet de :

  • Approfondir la présence et la justesse du jeu
  • Développer des personnages plus complexes et nuancés
  • Travailler le contre-emploi
  • Acquérir des automatismes techniques 
  • Affiner la relation à l’autre dans des scènes plus longues
  • Gagner en précision et en continuité de jeu
  • Développer sa perméabilité et sa rapidité lors d’indications de jeu
  • Apprendre à faire des choix forts. Choisir, c’est renoncer. 
  • Adapter son jeu aux contraintes du cadre et du tournage

Les scènes travaillées sont tournées et visionnées collectivement.
Les visionnages donnent lieu à une analyse détaillée du travail, permettant aux élèves de prendre du recul sur leur jeu et d’affiner leur compréhension du jeu face caméra.

Initiation aux castings

Des exercices spécifiques permettent de :

  • Savoir se présenter clairement
  • Faire des propositions simples, fortes et personnelles
  • Gérer le stress d’un temps court
  • S’adapter rapidement aux retours

La formation inclut également une mise en immersion professionnelle lors de rencontres avec des professionnels du métier et un accompagnement sur les questions liées au parcours et à la carrière.

À l’issue de la deuxième année, l’ensemble des rushEs des scènes tournées est remis aux acteurs.

La formation ne repose pas sur un système d’examen. Elle s’appuie sur un suivi pédagogique continu, associant bilans collectifs, entretiens individuels et observation régulière du travail en cours.

Des bilans collectifs et individuels sont organisés à l’issue de chaque trimestre. Ils permettent d’évaluer le parcours de chaque comédien·ne, d’analyser les progrès réalisés, d’identifier les points de blocage et de définir des axes de travail précis et personnalisés. 

Tout au long de l’année, le travail de chaque élève fait l’objet d’un suivi régulier. Des fiches de suivi sont utilisées à chaque cours afin de noter les avancées, prises de conscience, difficultés ou déclics observés. Ce dispositif garantit un accompagnement cohérent, rigoureux et adapté au rythme de chacun·e. 

Des entretiens individuels peuvent être proposés à tout moment de l’année lorsque cela s’avère nécessaire. Le travail s’inscrit dans une dynamique de progression continue. Le studio se réserve néanmoins le droit d’interrompre un parcours si l’attitude, l’engagement ou le comportement inapproprié d’un·e élève venait à compromettre le cadre de travail et le bon fonctionnement du groupe. 

ADMISSION

  • Vous êtes débutant·e, motivé·e et prêt·e à vous engager pleinement dans un travail exigeant, avec l’envie de poser des bases solides en vue d’un parcours professionnel.
  • Vous êtes confirmé·e, avec au moins une année de pratique en école, et/ou de tournage, et vous souhaitez approfondir vos acquis, affiner votre technique et gagner en liberté de jeu.

LE CURSUS

  • La première année est consacrée à la mise en disponibilité de l’instrument de l’acteur·rice : corps, voix, imaginaire, écoute et engagement dans les circonstances imaginaires. 
  • La deuxième année vise à consolider ces compétences et à dédramatiser le travail face caméra, en intégrant les contraintes techniques et professionnelles du jeu à l’image. 

TARIFS

300€/mois + 350€/an (frais de scolarité et adhésion annuelle)

ORGANISATION

Les cours ont lieu à raison de 8h par semaine de septembre à juin

LIEU

Paris

CONTACTER L’ECOLE

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